daytonmandolin.net

Suara Anda berpotensi menjadi instrumen yang luar biasa. Selesai dari berlatih bernyanyi, kami rekomendasikan untuk relax dan bermain demo pragmatic. Anda tidak perlu mengemasnya ke dalam tas, memuatnya ke dalam van, atau khawatir akan jatuh dari panggung. Instrumen terhebat di dunia ada di dalam diri Anda. Ingin tahu apa yang diperlukan untuk meningkatkan suara nyanyian Anda?

Mampu menyanyi adalah anugerah yang indah, tetapi banyak orang salah paham dan menganggap bernyanyi jauh dari jangkauan mereka. Umumnya, orang berpikir bahwa jangkauan vokal yang luas atau nada yang sempurna adalah sesuatu yang Anda miliki sejak lahir.

Makanya, banyak orang yang mengira bahwa menyanyi adalah bakat yang hanya dinikmati sebagian orang. Untungnya, kami akan memberi tahu Anda sebuah rahasia kecil: Anda dapat mempelajari cara meningkatkan suara nyanyian Anda. Suara yang indah bukanlah anugerah yang diberikan hanya kepada beberapa orang. Suara yang memukau, nada vokal yang ideal, nada yang sempurna, dan otot vokal yang kuat tidak selalu menjadi sesuatu yang Anda miliki sejak lahir. Tetapi mereka adalah sesuatu yang dapat Anda pelajari untuk dibangun dengan latihan.

Setiap orang terlahir dengan suara dan jangkauan vokal yang berbeda. Seni mempelajari cara menyanyi dan cara meningkatkan suara nyanyian pribadi Anda adalah mempelajari cara menggunakan alat yang sudah Anda miliki di kotak peralatan Anda. Bekerja untuk meningkatkan suara nyanyian Anda membutuhkan campuran bahan: keseimbangan, koordinasi, dan latihan yang tepat.

APA YANG MEMBUAT PENYANYI YANG BAIK?

Pertama, Anda perlu memahami apa yang membuat penyanyi yang baik. Memecahnya dan memahami apa yang berhasil (atau apa yang membuat penonton merunduk untuk berlindung) bisa menguntungkan. Untuk meningkatkan suara nyanyian Anda, penting untuk dapat memilah-milah komponen suara nyanyian yang mematikan dan mengungkap teknik vokal penyanyi itu.

1. Mengontrol Pitch

Salah satu aspek terpenting untuk bisa bernyanyi adalah mengendalikan nada Anda. Mengoceh kunci, terbawa suasana, atau goyah dan kehilangan pijakan pada beberapa nada semuanya dianggap kehilangan kontrol vokal dan tanda dari penyanyi yang tidak canggih. Begitu Anda mulai menguasai suara Anda, Anda mulai memenangkan pertarungan dalam mengembangkan suara terbaik Anda.

2. Dukungan Kuat

Bayangkan dukungan pita suara Anda sebagai fondasi untuk membangun suara nyanyian yang cemerlang. Dukungan yang lemah berarti bahwa rumah penyanyi akan runtuh karena beban. Anda dapat belajar memperkuat dukungan vokal Anda dan bernyanyi lebih baik melalui teknik pernapasan, latihan otot dan tenggorokan, serta latihan vokal yang konsisten. Saat suara bekerja dengan baik, pita suara bertindak sebagai pengatur napas; dan suaranya didukung dengan baik melalui keseimbangan tekanan dan perlawanan. Seorang guru yang bijak pernah berkata, “Jangan menganggapnya sebagai ‘dukungan napas’ karena ini lebih seperti ‘manajemen napas’ saat pendaftaran disiapkan.”

3. Volume dan Gaya

Seseorang yang bisa menyanyi akan selalu menyadari volume dan gaya suara yang dihasilkannya. Menggumamkan vokal atau menyanyikan setiap nada dengan keras tanpa berpikir adalah tanda penyanyi non-profesional. Penyanyi yang baik tidak akan mendobrak lagu atau menggulirkannya, tetapi menemukan volume dan gaya yang sesuai, baik untuk lagu dan pita suara, atau pita suara.

4. Kesadaran Diri

Penyanyi yang baik tidak hanya menyanyikan sebuah lagu terlepas dari apakah lagunya selaras atau tidak. Ketika Anda secara konsisten menyadari suara nyanyian Anda, Anda akan lebih terbiasa untuk mengetahui apakah Anda mampu mencapai nada yang tepat, menghasilkan nada yang tepat, dan hanya memiliki gagasan yang lebih baik tentang bagaimana Anda bersuara.

Dengan sedikit pendidikan, Anda juga akan dapat mengetahui apakah Anda merusak otot tenggorokan. Dalam semua kasus, jika tenggorokan Anda sakit, hentikan apa yang Anda lakukan. Jika Anda cenderung kehilangan suara atau tidak dapat menyanyi atau berbicara selama berhari-hari setelah bernyanyi, carilah guru vokal profesional untuk membantu mendiagnosis masalah dan membuat rutinitas olahraga agar suara Anda berada di jalur yang benar.

5. Menggunakan Suara Anda

Bob Dylan tidak bernyanyi seperti Beyonce – mereka masing-masing memiliki rangkaian vokal yang berbeda, dan setiap penyanyi telah belajar menggunakan suara yang mereka miliki.

Ketahui jangkauan vokal Anda dan pertahankan; dan, di atas segalanya, dengarkan diri Anda sendiri. Gunakan telinga Anda bersama dengan suara Anda saat Anda bernyanyi, dan Anda akan memiliki gambaran yang lebih jelas tentang kekuatan dan kekurangan Anda.

TIPS UNTUK MENINGKATKAN SUARA MENYANYI ANDA

Sekarang setelah Anda memahami apa yang menjadikan penyanyi yang baik, Anda bisa mulai melatih titik-titik tekanan tersebut.

Mempelajari cara meningkatkan suara nyanyian Anda bukanlah solusi cepat; Namun, dengan latihan vokal yang dipersonalisasi untuk pendaftaran Anda dalam elemen lingkungan pitch, vokal, dan intensitas, Anda dapat memulai perjalanan untuk mencapai nada tinggi itu dengan sempurna.

Mari kita lihat beberapa tip dasar untuk membantu meningkatkan suara bernyanyi Anda:

1. Pilih Titik Lemah Anda

• Cara terbaik untuk mengetahui cara Anda bernyanyi adalah dengan merekam diri Anda sendiri menyanyikan lagu yang sudah Anda kenal. Ini tidak harus rekaman ahli. Cukup tekan rekam di ponsel cerdas atau komputer Anda untuk mendapatkan rekaman yang cukup.
• Setelah itu, bandingkan versi Anda dengan versi penyanyi aslinya.
• Catat semua kesalahan Anda – Apakah rentang vokal Anda terlalu lemah? Apakah Anda mencapai nada yang salah? Apakah napas Anda terlalu pendek?

Mengetahui kelemahan Anda akan membantu Anda mengidentifikasi area masalah yang perlu Anda atasi saat mempelajari cara meningkatkan suara bernyanyi Anda.

2. Latihan Harian

Mari kembali ke dasar sejenak. Ini adalah klise lama bahwa “latihan membuat sempurna,” tetapi itu adalah frasa yang telah bertahan dalam ujian waktu karena suatu alasan. Latihan harian untuk suara Anda akan memperkuat pita suara Anda, meningkatkan jangkauan vokal Anda, dan mengembangkan nada suara yang lebih baik.

Anda harus berlatih bernyanyi setidaknya selama tiga puluh menit sehari (pastikan Anda melakukan pemanasan terlebih dahulu).

Jika Anda tidak memiliki rutinitas harian, bekerjalah dengan pelatih vokal Anda untuk membuatnya untuk Anda.

3. Pemanasan Vokal

Berbicara tentang pemanasan vokal – ini adalah salah satu tip terpenting dalam hal merawat otot tenggorokan dan mulut Anda sebelum bernyanyi. Ingat, suara nyanyian Anda adalah otot; dan seperti otot lainnya, ia membutuhkan pemanasan sebelum dimasukkan ke dalam pacu. Ada banyak sekali latihan pemanasan vokal yang bisa Anda manfaatkan untuk latihan vokal.

Berlatih tangga nada, meningkatkan koordinasi lidah-langit-langit lunak Anda, mengulangi getar lidah dan bibir, dan sekadar bersenandung adalah beberapa latihan pemanasan kecil yang luar biasa untuk mengendurkan pita suara Anda dan siap untuk bisnis.

4. Mulailah dengan Pernapasan

Latihan pernapasan adalah awal yang baik bagi mereka yang ingin meningkatkan kemampuan bernyanyi. Semakin baik pernapasan Anda, semakin kuat suara nyanyian Anda. Latihan pernapasan juga digunakan untuk menurunkan stres dan meningkatkan kesehatan pikiran.

Banyak orang tidak menggunakan kapasitas paru-parunya secara penuh dalam hal pernapasan. Ini meninggalkan banyak potensi yang tidak terpakai, duduk di bagian bawah diafragma mereka. Bayangkan kekuatan yang bisa Anda miliki jika Anda memanfaatkan potensi itu.

Sebagai latihan kesadaran dan relaksasi, berlatihlah menjaga bahu Anda tetap rendah, dada Anda rileks, dan napas Anda bagus dan dalam. Menahan suara “ss” saat menghembuskan napas juga merupakan cara yang bagus untuk mengontrol aliran udara Anda. Metode ini dapat dengan mudah dimasukkan ke dalam latihan menyanyi Anda. Latihan lainnya adalah menarik napas selama 4 hitungan, tahan selama 4 hitungan, dan buang napas selama 4 hitungan.

5. Berinvestasi dalam Suara Anda

Jika Anda ingin mulai melihat suara Anda sebagai instrumen Anda, maka penting untuk menjaganya. Anda tidak akan meninggalkan gitar atau terompet untuk mengumpulkan debu atau menjadi berkarat. Jangan biarkan suara Anda kebetulan.

Minum delapan gelas air sehari adalah cara terbaik untuk menjaga membran vokal tetap terhidrasi dan suara Anda sehat. Tak perlu dikatakan bahwa merokok, berteriak, atau apa pun yang membuat suara Anda tegang sebaiknya dihindari. Bahkan perokok pasif dapat menyebabkan sakit tenggorokan. Selanjutnya, suara serak akan menghentikan bakat Anda di jalurnya.

6. Memahami Postur

Postur tubuh memainkan peran penting dalam mengembangkan jangkauan vokal yang kuat dan mempelajari cara meningkatkan suara nyanyian Anda. Punggung yang merosot, bahu yang kendur, posisi tubuh yang membungkuk, dan bahkan kepala yang miring semuanya dapat berdampak negatif pada nada, nada, dan kekuatan menghasilkan nada.

Udara mengalir melalui tubuh Anda saat Anda bernyanyi; jadi, dengan duduk atau membungkuk, Anda menghentikan diafragma agar tidak mengembang sepenuhnya. Postur tubuh yang baik dapat membuat udara bergerak lancar, membuat tenggorokan tetap terbuka, dan membantu Anda menahan nada tinggi lebih lama. Postur yang baik juga dapat membantu Anda memproyeksikan suara dengan lebih efektif.

Posisi penyanyi terbaik untuk mengembangkan jangkauan vokal Anda adalah berdiri tegak dengan lutut terbuka dan kaki Anda ditempatkan selebar bahu. Usahakan bahu dan perut Anda tetap rileks. Sedikit memiringkan dagu ke bawah dapat membantu Anda mencapai nada tinggi dan memberi suara Anda lebih banyak kekuatan dan kontrol yang lebih baik.

Cara yang berguna untuk melatih postur tubuh yang lebih baik saat bernyanyi adalah dengan berbaring. Latihan menyanyi ini membantu Anda menjaga tubuh tetap lurus yang kemudian bisa ditiru saat Anda berdiri.

7. Seni Pengucapan

Ada desas-desus tentang solusi cepat ajaib untuk langsung meningkatkan suara nyanyian Anda – menyempurnakan seni pengucapan.

Berdiri di depan cermin, perhatikan baik-baik bagaimana rahang Anda bergerak saat Anda mengucapkan huruf vokal, A-E-I-O-U. Jika rahang Anda menutup saat mengucapkan huruf-huruf ini, gunakan jari Anda atau gabus untuk menopang rahang Anda terbuka sekitar 2 inci. Terus ulangi vokal ini sampai Anda bisa mengucapkannya sambil tetap membuka rahang.

Semakin sering Anda mempraktikkan latihan ini, semakin Anda akan menanamkannya ke dalam memori otot Anda. Jika Anda bisa menguasai teknik ini saat bernyanyi, suara Anda akan terdengar lebih nyaring dan nada Anda lebih jelas.

8. Lenturkan Wajah Anda

Ada sepuluh kelompok otot di wajah dan leher Anda. Penting untuk melatih otot-otot tersebut agar tetap tangguh dan fleksibel untuk mempertahankan kendali atas mereka.

Bayangkan otot-otot di wajah dan leher Anda seperti aliran kecil yang mengalir ke lautan suara nyanyian Anda. Meregangkan otot-otot itu secara teratur akan membantu menjaga pita suara Anda tetap prima untuk teknik bernyanyi yang lebih kuat.

Beberapa tindakan yang dapat membantu otot-otot ini tetap kendur dan lentur antara lain: menguap, mengerutkan bibir, tersenyum lebar, memutar mata, melengkungkan alis.

9. Pikirkan

Anda mungkin berpikir bahwa mencapai nada tinggi itu adalah tentang naik ke puncak nada Anda, tetapi para ahli mengatakan bahwa Anda harus menahan dorongan dan berpikir ke bawah. Menambahkan sedikit beban dan hambatan pada pita suara Anda saat berhubungan dengan nada tinggi akan membuat nada Anda lebih tinggi tanpa ketegangan.

Mempelajari perbedaan antara suara kepala dan suara dada juga dapat membantu memperluas jangkauan nyanyian Anda. Jika Anda tidak mengetahui perbedaannya, Anda dapat menelitinya. Pelatih vokal Anda dapat membantu Anda menggunakan suara kepala dan dada secara efektif.

Cara lain untuk berlatih memukul nada tinggi itu adalah dengan berpura-pura menangis saat Anda bernyanyi. Ini mungkin, jelas, menjadi tip untuk berlatih di rumah daripada di atas panggung. Bertindak seolah-olah Anda menangis menyebabkan tiroid miring yang pada gilirannya membantu Anda mencapai nada tinggi tersebut. Dengan latihan yang cukup, Anda akan dapat mencapai nada tersebut tanpa perlu berpura-pura menangis.

10. Tambahkan Metronom

Jika Anda kesulitan mempertahankan ketukan yang stabil atau tidak yakin apakah Anda memiliki ketukan yang mantap, metronom mungkin jawabannya.

Ada berbagai jenis metronom, tetapi semuanya dapat disetel ke tempo yang berbeda untuk mempertahankan ketukan yang stabil saat Anda bernyanyi. Berlatih menyanyi dengan metronom dapat membantu Anda mempertahankan tempo yang stabil sampai Anda belajar cara menemukan dan mempertahankan waktu secara alami.

Jika Anda belum memilikinya, Anda mungkin ingin mempertimbangkan untuk membeli metronom. Meskipun mungkin sedikit lebih merepotkan, ada banyak aplikasi yang dapat Anda unduh dari web yang juga akan membantu Anda tetap stabil.

11. Mendorong Keyakinan

Keyakinan memainkan peran penting saat mempelajari cara meningkatkan suara nyanyian Anda. Jika Anda tidak percaya pada suara Anda saat bernyanyi, kurangnya rasa percaya diri Anda akan menghilang. Sayangnya, Anda mungkin menemukan suara serak, nada gagal, bergumam, nada Anda menurun, dan kesulitan bernapas dan postur tubuh.

Suara percaya diri terdengar benar. Tidak perlu menjangkau atau merusak. Keyakinan juga akan membuat Anda menjadi pemain yang lebih baik dan jauh lebih menyenangkan untuk ditonton. Kunci untuk bernyanyi dengan percaya diri adalah menemukan suara Anda sendiri dan tidak meniru siapa pun.

Setelah Anda menemukan suara Anda, berlatihlah lagi dan lagi sampai Anda merasa nyaman dengannya. Kerjakan beberapa lagu sampai Anda menguasainya, atau bekerja dengan pelatih vokal dan ikuti beberapa pelajaran menyanyi untuk mempelajari lebih banyak keterampilan.

1. Menurunkan tekanan darah

Ingin menjaga kesehatan jantung? Menurut sebuah studi Universitas Oxford, mendengarkan musik klasik okestra dapat membantu menurunkan tekanan darah seseorang. Musik okestra juga sagat cocok di dengarkan saat bermain judi online.

Dalam studi tersebut, para peneliti memainkan partisipan dengan gaya musik yang berbeda, termasuk rap, pop, techno, dan klasik.

Musik klasik efektif menurunkan tekanan darah peserta, sedangkan rap, pop, dan techno justru meningkatkan tekanan darah.

2. Meningkatkan memori

Tahukah Anda bahwa mendengarkan Mozart benar-benar dapat membantu meningkatkan daya ingat Anda? Menurut sebuah penelitian, orang yang mendengarkan musik Mozart menunjukkan peningkatan aktivitas gelombang otak yang terkait langsung dengan memori.

Jadi lain kali Anda harus menghafal pidato atau presentasi besar, kenakan Mozart saat Anda berlatih.

3. Memicu kreativitas

Agar kreativitas Anda mengalir, dengarkan musik klasik. Meskipun mendengarkan musik klasik tidak akan langsung membuat Anda menjadi kreatif, hal itu akan membantu Anda untuk memiliki pola pikir yang lebih kreatif.

Lain kali Anda perlu bertukar pikiran, coba dengarkan Mozart atau Bach untuk membuat pikiran Anda berpikir di luar kotak.

4. Mengurangi tingkat stres

Jika Anda merasa sangat stres, dengarkan beberapa lagu klasik. Sebuah penelitian menemukan bahwa wanita hamil yang mendengarkan musik klasik cenderung tidak merasa stres selama kehamilan mereka.

Ilmuwan menyatakan bahwa tempo musik klasik mirip dengan hati manusia, yang meredakan kecemasan dan depresi.

5. Meningkatkan kekuatan otak

Apakah Anda memiliki ujian besar atau proyek yang akan datang? Tingkatkan kekuatan otak Anda dengan mendengarkan musik klasik.

Dalam sebuah penelitian, peneliti Prancis menemukan bahwa siswa yang mendengarkan ceramah di mana musik klasik dimainkan di latar belakang mendapat nilai lebih baik pada tes dibandingkan dengan siswa lain.

6. Melawan depresi

Saat Anda merasa sedih di tempat pembuangan sampah, tinggalkan donat dan pilih musik klasik sebagai gantinya.

Beberapa penelitian telah membuktikan bahwa musik klasik membantu meredakan depresi dan kesedihan.

Faktanya, sebuah penelitian dari Meksiko menemukan bahwa mendengarkan musik klasik dapat membantu meringankan gejala depresi.

7. Menidurkan Anda

Apakah Anda bolak-balik selama berjam-jam sebelum akhirnya tertidur? Daripada bermain-main di episode lain Game of Thrones atau New Girl, dengarkan musik klasik.

Menurut sebuah penelitian terhadap orang-orang dengan masalah tidur, mendengarkan musik klasik hanya selama 45 menit sebelum tidur dapat membantu meningkatkan kualitas tidur.

8. Meredakan nyeri

Daripada mencari Tylenol lain, Anda mungkin ingin mempertimbangkan untuk memainkan playlist Bach atau Beethoven. Berbagai penelitian menunjukkan bahwa mendengarkan musik klasik dapat membantu meredakan nyeri.

Menurut peneliti di London, pasien yang mendengarkan musik klasik menggunakan obat pereda nyeri yang jauh lebih sedikit.

9. Membuatmu bahagia

Ingin keluar dari suasana hati yang buruk yang Anda alami? Mendengarkan musik klasik dapat membantu meningkatkan sekresi dopamin, yang mengaktifkan pusat penghargaan dan kesenangan di otak.

Faktanya, sebuah studi tahun 2013 menemukan bahwa musik dapat membantu membuat suasana hati orang-orang menjadi lebih baik.

10. Meningkatkan produktivitas

Ini hari Senin pagi dan Anda sepertinya tidak bisa menyelesaikannya bersama-sama. Untuk membantu meningkatkan produktivitas, dengarkan musik klasik.

Serangkaian penelitian telah membuktikan bahwa musik membuat tugas yang berulang menjadi lebih menyenangkan.

Sebuah studi yang dilakukan oleh para peneliti di University of Maryland menemukan bahwa musik klasik Barok di ruang baca dapat membantu meningkatkan efisiensi dan akurasi ahli radiologi.

Salah satu harta terbesar dari komunitas mana pun adalah para pemusiknya. Di joker slot, Anda akan menemukan lagu casino dan slot yang berbau orkestra, filharmonik, simfoni, dan ansambel dari semua ukuran yang diputar setiap dalam permainan. Sebagian besar penyedia bandar judi joker slot memiliki beberapa musik jazz mereka. Hal yang sama berlaku untuk perguruan tinggi dan universitas. Keterampilan dan pengetahuan yang diperoleh di sana adalah sesuatu yang dibawa oleh individu sepanjang hidup. Latihan itu penting, tentu saja, tetapi jika Anda bisa memainkan alat musik, kemungkinan besar Anda bisa tampil di suatu tempat terdekat dengan jadwal yang cukup teratur.

Kata orkestra adalah istilah yang luas untuk semua kelompok instrumentalis (dengan penekanan pada senar) yang bermain bersama. Itu berasal dari kata Yunani ὀρχήστρα, yang berarti bagian depan teater tempat paduan suara Yunani tampil. Pada dasarnya ada tiga jenis orkestra klasik:

1. Orkestra senar, yang seluruhnya terdiri dari instrumen senar
2. Orkestra kamar, yang merupakan orkestra kecil dengan sekitar 20 – 50 anggota, dan biasanya dimainkan di tempat-tempat kecil
3. Orkestra lengkap, yang dapat disebut simfoni atau filharmonik, terdiri dari hingga 100 anggota atau lebih, dan dimainkan di ruang konser

Orkestra kamar mengambil nama mereka dari chambre, kata dalam bahasa Prancis untuk kamar, dan mereka dapat tampil hampir di mana saja. Anda mungkin menemukan orkestra kamar bermain di aula konser besar, dengan asumsi akustiknya cukup baik, tetapi orkestra lengkap tidak dapat muat di tempat mana pun selain aula besar.

Anda mungkin bertanya-tanya apa perbedaan antara simfoni dan simfoni. Tidak ada satu pun. Kedua kata tersebut memiliki arti yang sama – musik yang harmonis. Kedua istilah tersebut kadang-kadang digunakan ketika komunitas atau kota memiliki lebih dari satu orkestra lengkap untuk membedakannya, seperti Seattle Symphony Orchestra, dan Seattle Philharmonic.

Terakhir, ada satu jenis orkestra lainnya – The Pops!

Selama bulan-bulan musim panas, dan dari akhir November hingga awal Tahun Baru, orkestra di banyak komunitas di AS menampilkan musik yang “lebih ringan” dari repertoar klasik, serta lagu dan musik populer dari panggung dan layar. Karya agung seperti Simfoni Kelima Mahler atau Simfoni Dunia Baru Dvorak disisihkan dan diganti oleh tawaran dan lagu Rossini dari Gilbert dan Sullivan. Bintang dan penyanyi Broadway yang tidak pernah berhubungan dengan musik klasik dan opera naik panggung bersama beberapa musisi “serius” terbaik dunia.

Dalam banyak hal, ini merupakan upaya untuk memperluas daya tarik musik klasik – untuk membuatnya lebih mudah diakses oleh orang-orang yang umumnya tidak akan mendengarkan apa pun selain rock, country, dan / atau jazz. Saat orang-orang sedang berlibur, atau keluar bersama keluarga untuk merayakan liburan, mereka tidak ingin bekerja keras untuk menghargai komposisi yang rumit dan menuntut. Sesuatu yang membuat mereka mengetuk kaki, atau bernyanyi bersama, lebih cocok untuk suasana hati mereka.

Banyak kota memiliki orkestra Pops. Beberapa orkestra, seperti Detroit Symphony, memiliki konser Pops, tetapi banyak orkestra Pops beroperasi secara terpisah dari organisasi induknya. Biasanya ada beberapa persilangan dalam personel, tetapi banyak musisi bekerja secara eksklusif untuk orkestra Pops mereka. Dan, meski tidak eksklusif merupakan konsep Amerika, jumlahnya jauh lebih banyak di Amerika Serikat daripada di negara lain. The New York Pops dan The Cincinnati Pops sangat populer, dan telah menikmati kesuksesan besar dengan rekaman selama bertahun-tahun. Bagi banyak orang, yang paling dikenal adalah The Boston Pops.

Boston Pops berusia lebih dari 130 tahun, dibentuk dari Orkestra Simfoni Boston oleh pendiri mereka, seorang perwira infanteri Perang Saudara. Konser musim panas awalnya disebut konser promenade dan kemudian lebih dikenal sebagai konser populer, yang kemudian disingkat menjadi Pops. Nama resminya diadopsi pada tahun 1900. Tahun berikutnya mereka pindah ke Symphony Hall, rumah permanen mereka, yang mungkin dirancang untuk memiliki akustik terbaik dari semua gedung pertunjukan di negara ini. Selain itu, untuk kepentingan konser Pops, terdapat kursi yang bisa dilepas di bagian bawah yang diganti dengan meja dan kursi. Penonton konser dapat menikmati hidangan ringan dan anggur serta koktail sambil menikmati musik. Menari telah dikenal untuk keluar.

Di bawah konduktor Arthur Fiedler, yang memegang tongkat kepemimpinan selama 50 tahun, Boston Pops menjadi orkestra yang paling banyak direkam di Amerika. Memadukan lagu-lagu populer dengan komposisi baru dan campuran yang luas dari karya klasik yang kurang dikenal, Boston Pops memperoleh julukan “America’s Orchestra” yang membuat iri. Fielder memperkenalkan tradisi konser luar ruangan untuk tanggal 4 Juli, Hari Kemerdekaan Amerika, yang disiarkan secara nasional.

Ada kekhawatiran bahwa popularitas Boston Pops akan menurun saat Fiedler meninggal, tetapi kekhawatiran itu berumur pendek ketika sang maestro digantikan oleh John Williams. Williams, sejauh ini, adalah komposer film paling terkenal dalam sejarah, dengan lebih banyak nominasi Academy Award daripada siapa pun. Selebritas sangat ingin tampil dengan Pops ketika dia memimpin. Skor filmnya menjadi fitur reguler dari repertoar Pops, dan terus berlanjut hingga hari ini, sekarang di bawah tongkat komando Keith Lockhart yang karismatik.

Hari ini, saat kita memasuki musim liburan, orkestra Pops dari Boston ke Toronto hingga Melbourne sedang mempersiapkan konser favorit Natal. Singalong lagu-lagu Natal dan pop standar akan menghibur jutaan orang. Giring lonceng, alat musik yang hampir tidak standar untuk pertunjukan Mozart atau Bach, akan berdering di ruang konser di dekat dan jauh. Dan jangan heran jika Anda melihat Sinterklas memimpin satu atau dua orkestra.

Audisi bisa sangat menegangkan. Sama seperti wawancara kerja, mereka membawa rasa kagum dan tanggung jawab, dan seperti dalam wawancara, hasilnya sangat bergantung pada bagaimana orang mempersiapkannya. Sejuta hal dapat terlintas dalam pikiran seseorang saat dia bermain dan tugasnya adalah membatasi kekhawatiran di luar musik sebanyak mungkin.

Sehari sebelum audisi:

Pelajari hal-hal utama. Merupakan ide yang baik untuk menjalankan semua bagian yang akan Anda mainkan. Jarang terjadi bahwa panel meminta orang yang mengikuti audisi untuk memainkan keseluruhan karya solo, jadi jika pilihan solo Anda berdurasi sepuluh menit, tidak masuk akal untuk membahas keseluruhannya, tetapi ide yang baik untuk menutupi titik-titik masalah di halaman pertama atau lebih. Berlatih seolah-olah Anda berada di depan panel juri.

Apa yang harus dipersiapkan untuk audisi:

Berikut ini adalah daftar yang perlu dipertimbangkan saat mengikuti audisi. Item di dalamnya dapat bervariasi tergantung pada permintaan perekrutan orkestra, tetapi kebanyakan semuanya langsung ke depan:

– Musik di folder dan diikat

– Salinan musik Anda untuk panel

– Stand musik lipat

– Pensil dan penghapus

Pastikan musik Anda ada di folder yang ditempatkan di semacam kantong pengikat tembus pandang. Anda tidak ingin bau AC mengambil musik Anda dari stand saat Anda bermain. Panel pasti tidak akan menganggapnya lucu. Alternatifnya adalah mengikatnya dengan selotip, tetapi itu tidak seaman dan tidak profesional.

Pada hari Anda mengikuti audisi:

Jika audisi Anda pagi-pagi sekali, ada baiknya Anda bangun setidaknya tiga jam sebelumnya. Anda akan membutuhkan setidaknya satu jam untuk berolahraga, mandi, makan sarapan ringan, dan menyiapkan semuanya. Ketika semua barang Anda sudah diatur dan Anda siap untuk audisi, Anda mungkin perlu waktu untuk pemanasan. Pastikan untuk pergi ke tempat audisi setidaknya satu jam sebelumnya. Anda ingin merasa aman tentang di mana ruangan yang Anda perlukan untuk bermain, dan kapan Anda harus masuk. Setelah Anda mengurus semua itu, Anda bisa melakukan pemanasan.

Pastikan bahwa ketika Anda melihat-lihat musik, Anda fokus hanya pada tempat-tempat yang menurut Anda paling membutuhkan tinjauan. Sekaranglah waktunya untuk pemanasan, untuk menyegarkan pikiran dan jari Anda tentang apa yang akan Anda mainkan. Berlatih tanpa berpikir jarang bermanfaat pada saat ini atau pada titik lainnya. Ini berarti menjalankan seluruh program tidak disarankan. Ide bagus untuk memulai apa yang akan Anda mulai saat audisi sebenarnya. Biasanya Anda dapat memilih bagian pertama yang ingin Anda mainkan.

Saat Anda memasuki ruang audisi, cobalah untuk bersikap profesional dalam segala hal. Sapa panel, beri mereka musik, dan perkenalkan diri Anda. Meskipun tidak memengaruhi cara Anda bermain, hal itu tetap memberi kesan yang baik tentang Anda sebagai pribadi, belum lagi membantu Anda sedikit meredakan stres. Luangkan waktu Anda sebelum Anda mulai. Ini tidak berarti Anda harus diam selama lima menit, tetapi pastikan ini cukup waktu bagi Anda untuk berkonsentrasi pada apa yang akan Anda mainkan. Ini adalah waktu Anda setelah titik itu dan Anda harus menggunakannya untuk keuntungan Anda.

Untuk audisi orkestra ketepatan bermain sangat penting meskipun musikalitas selalu membuat orang berbeda. Dengan kata lain, ada tingkat penguasaan teknis tertentu yang harus Anda lakukan untuk dipertimbangkan, tetapi jika orang yang mendengarkan Anda tidak mendengar ungkapan apa pun, kecil kemungkinan Anda akan mendapatkan tempatnya.

Ketika Anda selesai bermain, cobalah untuk menjaga perasaan Anda tentang bagaimana Anda pikir Anda bermain untuk diri sendiri kecuali itu adalah perasaan konten yang asli. Tersenyumlah, berterima kasih kepada panel, ambil musik dan salinan Anda, dan pergi. JANGAN PERNAH mengerang atau mengernyit setelah pertunjukan – sebuah kebiasaan yang tidak disukai oleh juri.

Baca juga : Musik Klasik Membahas Dampak Pandemi Covid-19

Selain itu, tidak seperti banyak lamaran kerja lainnya, Anda tidak mengirim catatan tindak lanjut. Jangan mencoba menekan siapa pun dari panel tentang hasilnya. Dalam kebanyakan audisi semacam ini, pemberi kerja akan menghubungi Anda jika Anda menang.

Bagaimana Anda Membuat Karir di Luar Atau Dalam Hubungan Dengan Orkestra?
Jalan untuk mendapatkan pekerjaan di orkestra agak mudah.

Pertama, Anda hampir selalu harus menghadiri sekolah musik yang bagus, setidaknya di tingkat gelar Master. Memang benar bahwa beberapa mahasiswa dapat langsung menempati posisi orkestra, tetapi itu jarang terjadi.

Kedua, belajar dengan seorang guru yang memiliki pengalaman bermain di orkestra ATAU meminta siswa ditempatkan di orkestra. Beberapa contoh menonjol termasuk Richard Aaron, profesor cello di University of Michigan, serta William VerMeulen di Rice University, seorang profesor terompet Prancis dengan kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam industri ini.

Hal berikut ini juga sangat penting yang saya beri tahu kepada semua siswa konsultan perguruan tinggi saya: jika Anda ingin bermain dalam orkestra, carilah sekolah musik dengan koneksi yang sangat baik ke orkestra.

Ketiga, audisi untuk lowongan sebanyak yang Anda bisa. Ini mungkin tampak jelas, tetapi mungkin tidak demikian.

Saya memang punya rekomendasi tentang hal ini, saya tidak sering mendengarnya, kemungkinan karena intensitas sumber dayanya: cari lowongan di Eropa.

Serius, Eropa adalah tambang emas untuk musik klasik. Meskipun juga kompetitif seperti di Amerika, ada banyak sekali peluang bagi musisi untuk mencari pekerjaan.

Jelas, ada lebih dari tiga langkah itu, tetapi itu termasuk yang paling penting.

Banyak musisi bertanya-tanya bagaimana caranya sukses di dunia musik yang hanya berdampingan dengan posisi orkestra. Bagaimana Anda bisa berhasil baik secara mandiri dari sebuah pekerjaan orkestra atau dalam hubungannya dengan pekerjaan itu?

Untungnya, Anda hidup dalam periode waktu yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk berkarir sebagai musisi independen dari orkestra klasik.

Mengapa ini merupakan periode waktu yang belum pernah terjadi sebelumnya?

Saya pikir ini sebagian besar berkaitan dengan visibilitas musisi di internet, kekuatan aneh media sosial dalam memengaruhi karier dan persepsi orang tentang musisi, dan sikap umum industri musik, bergeser dari cita-cita dunia lama perusahaan besar. membagikan kontrak rekaman atau simfoni menyediakan posisi pekerjaan.

Berikut adalah enam ide yang dapat Anda gunakan untuk sukses secara finansial sebagai musisi di luar hanya mendapatkan pekerjaan di orkestra.

6. Menjadi Sangat Serbaguna

Dalam ekonomi musik saat ini, menjadi orang yang serba bisa adalah cara terbaik untuk menghasilkan uang sebagai musisi. Mayoritas musisi sukses yang saya kenal mengajar, mengaransemen, mengaransemen, dan bermain dalam sebuah ansambel, atau banyak ansambel.

Kadang-kadang ansambel ini benar-benar sebuah orkestra, atau kelompok kamar, atau band jazz, atau kelompok cover rock. Banyak dari musisi ini juga memiliki keterampilan pelengkap yang menghasilkan pendapatan tambahan, seperti perencanaan acara, orkestrasi, dan ukiran, yaitu seni menyalin partitur tulisan tangan ke komputer.

5. Berpikir Seperti Pengusaha

Berpikir seperti wirausahawan adalah topik hangat saat ini di pendidikan tinggi. Claire Chase, pendiri International Contemporary Ensemble, memenangkan MacArthur Fellowship pada tahun 2012, hadiah $ 500.000 (sejak meningkat menjadi $ 625.000) yang dianugerahkan oleh organisasi yang sangat bergengsi yang berinvestasi untuk masa depan para intelektual ulung.

Ini adalah masalah besar pada saat itu karena tidak ada seorang pun dalam sejarah MacArthur Fellowship yang memenangkan penghargaan sebagai “Pengusaha Seni” sebelum Claire Chase.

Kelompok lain yang menggunakan keterampilan kewirausahaan untuk meningkatkan karir mereka adalah Groupmuse. Sebuah organisasi musik klasik, Groupmuse menggunakan model bisnis waralaba dasar (seperti yang dilakukan restoran) untuk menciptakan lebih banyak ansambel di bawah nama merek mereka di seluruh negeri. Model penghasil uang mereka adalah iklan untuk individu yang menginginkan penampilan Groupmuse di rumah mereka serta untuk perusahaan yang memilih untuk menanamkan budaya perusahaan mereka dengan musik klasik. Mereka telah memainkan pertunjukan perusahaan untuk Google!

4. Gunakan Blogging & Media Sosial untuk Membangun Pengaruh

Banyak musisi berpikir tidak mungkin untuk mempromosikan karir individu di luar orkestra atau ansambel kamar yang sudah mapan.

Ini adalah keyakinan yang sangat membatasi di setiap level.

Banyak musisi menggunakan media sosial untuk mempromosikan karir mereka. Akun Twitter komposer Nico Muhly menampilkan kepribadian nyentrik yang mungkin sama terkenalnya dengan musik aslinya. Blognya yang penuh perhatian di situs http://agenmaxbet.net/ dari tahun 2007-2011 telah dibaca oleh semua orang setidaknya sekali dalam komunitas musik klasik.

Cellist Zoë Keating telah menggunakan Twitter untuk memiliki lebih dari satu juta pengikut.

Pianis Valentina Lisitsa merekam video premium dari penampilannya, kemudian menjadi pianis klasik paling populer di YouTube, tidak menggunakan manajer, promotor tur, atau perusahaan rekaman untuk meluncurkan kesuksesannya.

Ditto dengan pemain flute Nina Perlove dan banyak pengikut di YouTube.

Dan saat membahas tentang YouTube, pikirkan tentang komposer terkenal dunia Eric Whitacre, dan bagaimana dia menyatukan suara orang-orang di seluruh dunia ke dalam proyek “paduan suara virtual”, yang pada akhirnya semakin memantapkan reputasinya yang sudah sukses.

Anda mungkin memberi tahu saya bahwa orang-orang ini adalah pengecualian, bukan aturannya. Hari ini, saya mungkin setuju dengan Anda.

Tetapi tokoh-tokoh musik seperti yang disebutkan di atas memberikan cetak biru untuk apa yang pasti akan menjadi masa depan pemasaran media sosial kreatif bagi musisi yang ingin membangun pengaruh dan karier individualistis yang sukses dalam musik.

3. Kembangkan Keterampilan yang Melengkapi Gelar Musik Anda

Memahami betapa kompetitifnya instrumentalis dan vokalis, dengan jumlah jam yang diluangkan musisi setiap hari untuk menyempurnakan dan meningkatkan kemampuan musik mereka, saya tidak mengatakan ini dengan mudah.

Namun, untuk berkarier di luar orkestra, adalah langkah yang sangat cerdas untuk melengkapi keterampilan musik Anda dengan mereka yang dapat bekerja di karier musik terkait.

Sekarang saya tidak mengatakan Anda harus mengambil karir lain yang akan menggantikan musik Anda. Benar-benar tidak.

Tetapi ada sejumlah karir bagus yang bisa Anda raih dengan gelar musik Anda yang tidak mengharuskan Anda bermain di orkestra.

Lihat artikel saya di mana saya mengungkapkan 70+ karir yang dapat Anda capai dengan gelar musik – Anda akan segera menyadari bahwa “bermain di orkestra” dan “mengajar di perguruan tinggi” hanyalah dua dari banyak peluang yang tersedia bagi musisi.

2. Kendalikan Peluang Kinerja Anda

Saya tidak akan pernah melupakan salah satu pelajaran paling kuat yang saya terima dari konduktor ansambel musik baru kontemporer, David Bloom, ketika dia dan saya biasa menjalankan ansambel yang berbeda beberapa tahun lalu bersama-sama.

Saat memesan peluang performa, dia berkata “selalu telepon, jangan pernah email”.

Ini adalah saran yang kuat sehingga saya tidak bisa cukup menekankan kepada musisi lain. Keyakinan yang digambarkan oleh seorang musisi dari gerakan sederhana menelepon dan kemudian bertemu secara langsung menunjukkan banyak hal kepada karakter seorang musisi.

Siapa pun dapat mengirim email dan mengatakan apa pun di balik layar. Saya mengerti ironi ucapan saya di blog, tapi itu benar.

Tetapi memanggil pemilik klub, manajer festival, operator tempat, kurator seri konser, atau siapa pun adalah cara terbaik untuk mengamankan peluang pertunjukan bagi diri Anda sendiri di luar bermain di orkestra.

Dan ada begitu banyak peluang pertunjukan luar biasa yang mungkin tidak Anda ketahui dapat dikejar dengan musik Anda.

Lihat artikel saya tentang menjadi solois musik – dalam artikel ini saya mencantumkan 17 tempat tidak konvensional tempat Anda dapat tampil. Badan amal, museum, di ruang keluarga – peluang tidak terbatas saat Anda membuka diri terhadap kemungkinan baru di luar pemikiran terbatas hanya tampil di orkestra dan ruang pertunjukan.

1. Memiliki Pola Pikir Terbuka

Apa yang ingin Anda lakukan dengan kemampuan musik Anda?

Apakah Anda ingin mengkurasi, melakukan, memproduksi, menulis, mengajar, merekam, menulis, menjual, menerbitkan, menjalankan, mengatur, melisensikan, mengatur, berimprovisasi, mengukir, memasarkan, atau mengarahkan musik?

Begitu Anda menyadari kemungkinan tak terbatas untuk menghasilkan uang sebagai musisi masuk dan keluar dari orkestra, hanya pola pikir Anda yang bisa menjadi musuh terberat atau aset paling indah Anda.

Ketika berminggu-minggu menjadi berbulan-bulan setelah pemberlakuan penguncian ekonomi dan budaya sebagai tanggapan terhadap pandemi COVID-19, dimulainya kembali pertunjukan musik langsung tetap menjadi tanda tanya yang meningkat.

Daytonmandolin mengutip informasi dari sumber www.mabosway.win/ bahwa pemerintah kapitalis di mana-mana mendorong kampanye kembali bekerja di industri dan sektor ekonomi lainnya, meskipun itu berarti jumlah kematian yang tak terhitung.

Di bidang musik klasik, bagaimanapun, “kembali bekerja” muncul di luar kebutuhan yang jelas bagi banyak penonton di tempat yang terdiri dari 1.000, 2.000, 3.000 kursi atau bahkan lebih.

Orang tidak perlu berpikir lama tentang keengganan penonton untuk menghadiri acara seperti itu, dalam kondisi di mana belum ada pengobatan atau vaksin untuk COVID-19, atau kampanye serius yang dikoordinasikan secara internasional untuk mengendalikan penyakit tersebut.

Di tengah percepatan kampanye bipartisan AS kembali bekerja, pemerintah seperti yang dipimpin oleh Gubernur Partai Demokrat New York Andrew Cuomo dipaksa untuk secara tidak langsung mengakui kenyataan ini.

Dalam rencana tentatif yang dia umumkan pada hari Senin, Cuomo menyarankan empat tahap pembukaan kembali, dimulai dengan manufaktur dan toko ritel tertentu pada 15 Mei.

Bioskop, teater, dan tempat musik besar akan berada di tahap akhir, beberapa minggu kemudian, dengan asumsi angka negara untuk virus corona. Infeksi terus menurun.

Proposal ini mengabaikan kenyataan nyata bahwa kasus COVID-19 di New York mendatar dan bukannya turun tajam, dan bahwa New York tidak terlindung dari pertumbuhan cepat tingkat infeksi di bagian lain negara itu.

Sama jika tidak lebih penting, kembali bekerja dan aktivitas ekonomi sebelum penyakitnya dikendalikan pasti akan membawa — seperti yang diperingatkan oleh sumber-sumber medis dan seperti yang disadari dengan baik oleh perwakilan politik dari kelas penguasa — ke gelombang penyakit yang terus berlanjut dan bahkan lebih menghancurkan. dan kematian.

Untuk mengatakan bahwa kelanjutan pertunjukan langsung tidak pasti dalam kondisi ini akan menjadi pernyataan yang meremehkan. Ini menyoroti penderitaan para musisi di mana-mana.

Ada sepuluh atau 15 orkestra simfoni yang sangat terkenal di Amerika Serikat — berpusat di Chicago, San Francisco, Boston, Philadelphia, Cleveland, Seattle, Houston, New York, dan pusat budaya lainnya. Mereka tentu saja terpaksa membatalkan musim mereka dan tidak tahu pasti apakah mereka akan bisa melanjutkan musim ini.

Ada sekitar 1.200 orkestra simfoni lain di Amerika Serikat, namun, terletak di kota-kota menengah dan bahkan kecil, dan di perguruan tinggi dan universitas.

Puluhan ribu musisi di orkestra yang lebih kecil ini, belum lagi sejumlah besar yang memiliki karier lepas, menghadapi ancaman terhadap karier dan mata pencaharian mereka yang bahkan lebih besar daripada rekan-rekan mereka di lembaga-lembaga terkenal.

WSWS berbicara dengan sejumlah musisi klasik, baik di Eropa dan AS, tentang karya mereka sendiri serta isu-isu mendasar yang diangkat oleh pandemi.

Christian, seorang bass-bariton yang tinggal di Berlin yang berspesialisasi dalam musik periode Baroque, menjelaskan bagaimana kariernya terputus:

“Saya tidak diizinkan untuk mengadakan konser apa pun hingga akhir Agustus. Sejauh ini saya telah kehilangan hampir 12.000 euro [$ US 13.011]. Empat pertunangan konser dibatalkan. Saya menerima kurang dari setengah jumlah yang dijanjikan dari Senat Berlin untuk mengkompensasi kerugian ini.

“Dana federal hanya dapat digunakan untuk menutupi biaya operasional dan biaya komersial, tetapi artis lepas tidak memiliki biaya seperti itu. Anda tidak diperbolehkan menggunakan dana ini untuk menutupi biaya hidup dan mengganti pendapatan yang hilang. Jadi pada dasarnya, kami tidak mendapatkan apa pun darinya. Hanya [negara bagian] Berlin, Rhine-Westphalia Utara, dan Bremen yang memberi seniman sesuatu, tetapi jika Anda tidak tinggal di salah satu wilayah itu, Anda benar-benar kurang beruntung.

“Saya memperkirakan akan kehilangan pendapatan 4.000 atau 5.000 euro lagi dalam beberapa bulan mendatang. Jika konser dilanjutkan di musim gugur, banyak di antaranya akan dilakukan di kemudian hari, tetapi kami tidak tahu apa yang akan terjadi. Jika konser tidak dilanjutkan, saya harus mengajukan tunjangan pengangguran mulai Agustus. “

Christian menjelaskan bahwa Inisiatif Pekerja Budaya di Jerman telah mengeluarkan surat terbuka yang meminta program bantuan segera bagi mereka yang terkena dampak pembatalan dan penutupan pandemi, meminta jaminan pendapatan bulanan sebesar 1.180 euro untuk semua.

Orang-orang telah menempatkan instrumen bersama dalam berbagai kombinasi selama ada instrumen, ribuan dan ribuan tahun. Tetapi baru sekitar 400 tahun terakhir para musisi mulai membentuk kombinasi yang berubah menjadi orkestra modern.

Di masa lalu, ketika musisi berkumpul untuk bermain, mereka menggunakan instrumen apa pun yang ada. Jika ada tiga pemain kecapi, kecapi, dan dua seruling, maka itulah yang mereka gunakan. Pada 1500-an, waktu yang dikenal sebagai Renaissance, kata “permaisuri” digunakan untuk berarti sekelompok instrumentalis, dan kadang-kadang penyanyi juga, membuat musik bersama atau “dalam konser”.

Komponis awal Renaissance biasanya tidak mengatakan instrumen apa yang mereka tulis. Mereka bermaksud agar bagian-bagian itu dimainkan oleh apa pun yang ada di sekitar. Tetapi sekitar tahun 1600 di Italia, komposer Claudio Monteverdi menyukai hal-hal seperti itu. Dia tahu instrumen apa yang dia inginkan untuk menemani opera Orfeo-nya (1607), dan dia mengatakan dengan tepat instrumen apa yang harus dimainkan: lima belas pelanggaran ukuran berbeda; dua biola; empat seruling, dua besar dan dua sedang; dua obo, dua cornetts (terompet kayu kecil), empat trompet, lima trombon, harpa, dua harpsichord, dan tiga organ kecil.

Anda dapat melihat bahwa “orkestra Renaisans” Monteverdi sudah mulai terlihat seperti apa yang kita pikirkan sebagai orkestra: instrumen yang diorganisasikan menjadi beberapa bagian; banyak tali tertekuk; banyak variasi. Pada abad berikutnya (hingga sekitar tahun 1700, waktu J. S. Bach) orkestra berkembang lebih jauh. Keluarga biola, biola, biola, cello, dan bass, menggantikan biola, dan jenis senar baru ini menjadi lebih sentral bagi orkestra Barok daripada biola yang terjadi di Renaissance. Kepemimpinan musik dalam orkestra Barok berasal dari instrumen keyboard, dengan harpsichordist, atau kadang-kadang organis, bertindak sebagai pemimpin. Ketika J.S. Bach bekerja dengan orkestra, dia duduk di organ atau harpsichord dan memberikan isyarat dari kursinya.

Sejarah Orkestra Di Zaman Barok

Di era Barok, seorang sutradara musik kadang-kadang berdiri dan memimpin, tetapi tidak dengan cara yang biasa kita lihat. Jean-Baptiste Lully, yang bertanggung jawab atas musik di pengadilan Prancis pada 1600-an, biasa memukul irama untuk para musisi menggunakan semacam tiang panjang, yang ia ketuk di lantai. Tetapi suatu kali, ia secara tidak sengaja menabrak kakinya, mengembangkan gangren, dan meninggal!

Pada abad berikutnya, orkestra banyak berubah. Ini membawa kita hingga 1800, waktu Haydn dan Beethoven. Senar lebih penting dari sebelumnya, dan instrumen keyboard telah mengambil kursi belakang. Komponis mulai menulis untuk instrumen spesifik yang ada dalam pikiran mereka. Ini berarti mengetahui “bahasa” masing-masing instrumen dan mengetahui jenis musik apa yang paling baik terdengar dan bermain paling mudah pada instrumen tertentu. Penggubah juga mulai lebih berani tentang menggabungkan instrumen untuk mendapatkan suara dan warna yang berbeda.

Pemain biola pertama, atau pemimpin konser, memimpin pertunjukan orkestra dari kursinya, tetapi kadang-kadang, seorang direktur musik akan memimpin bagian dari pertunjukan dengan gerakan, menggunakan selembar kertas putih yang digulung yang mudah dilihat oleh para musisi. Hal ini menyebabkan tongkat yang digunakan konduktor saat ini. Dan pada awal 1800-an, konduktor-komposer seperti Carl Maria von Weber dan Felix Mendelssohn mulai berdiri di atas podium dan memimpin dari depan dan tengah.

Perkembangan Orkestra 

Ketika orkestra semakin besar dan semakin besar, semua musisi itu tidak dapat melihat dan mengikuti sang pemimpin konser.

Kemudian pada 1800-an, orkestra mencapai ukuran dan proporsi yang kita kenal sekarang dan bahkan melampaui ukuran itu. Beberapa komposer, seperti Berlioz, benar-benar habis-habisan menulis untuk orkestra besar. Desain dan konstruksi instrumen menjadi lebih baik dan lebih baik, membuat instrumen baru seperti piccolo dan tuba tersedia untuk orkestra. Banyak komposer, termasuk Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler, dan Richard Strauss, menjadi konduktor. Eksperimen mereka dengan orkestrasi menunjukkan jalan ke abad ke-20. Wagner melangkah lebih jauh dengan memiliki instrumen baru, Wagner Tuba, yang dirancang dan dibangun untuk membuat suara-suara khusus tertentu dalam orkestra opera-nya. Dalam salah satu simfoninya, Strauss menulis bagian untuk alfabet, alat musik kayu sepanjang 12 kaki! (Bagian alphorn biasanya dimainkan oleh tuba.) Dan Arnold Schoenberg menulis karya yang disebut Gurrelieder untuk orkestra 150 buah!

Abad ke-20 telah menjadi abad kebebasan dan eksperimen dengan orkestra. Ini juga merupakan masa konduktor superstar, karena konduktor memiliki lebih banyak tanggung jawab dan visibilitas. Orkestra “dasar” abad ke-19 masih ada, dan komposer terkadang menambah atau mengurangi instrumen, tergantung pada efek yang ingin mereka peroleh. Anda mungkin melihat bagian perkusi yang sangat melebar, atau banyak dan banyak woodwinds dan brasses. Tetapi orkestra masih mengambil bentuk yang kurang lebih sama: bagian string besar, dengan bagian yang lebih kecil untuk brass, woodwinds, perkusi, harpa dan instrumen keyboard. Setelah bertahun-tahun, itu masih berfungsi!

Menyewa sebuah orkestra untuk sebuah acara dapat menjadi prospek yang menakutkan bagi pemula dan perencana acara yang berpengalaman dan pemusik musik.

Panduan ini akan membawa Anda melalui semua yang perlu Anda ketahui untuk menyewa orkestra untuk acara Anda — termasuk berapa biaya yang harus dikeluarkan orkestra!

Sebuah orkestra dapat memberikan rasa keagungan pada suatu kesempatan, itu dapat memungkinkan Anda untuk memiliki musik yang Anda inginkan dalam semua kemuliaan aslinya, atau bahkan dalam skala yang lebih besar! Dan berbagai suara musik yang disediakan oleh orkestra, bersama dengan efek gabungannya, dapat menciptakan suasana yang fenomenal.

Encore memiliki beragam pilihan untuk orkestra, dari antara ansambel paling bersemangat di Inggris. Dengan berbagai faktor yang perlu dipertimbangkan, pemesanan orkestra relatif kompleks — tetapi kami siap membantu!

Seberapa besar orkestra?

Orkestra bervariasi dalam ukuran dari “orkestra kamar” kecil (sekitar 15-20 musisi) hingga “orkestra simfoni” penuh (dengan rangkaian lengkap instrumen dan lebih dari 100 musisi).

Ukuran orkestra Anda akan ditentukan oleh beberapa faktor:

• Jumlah ruang yang Anda miliki di tempat Anda
• Musik yang Anda ingin dimainkan oleh orkestra (aransemen Wedding March yang sederhana, misalnya, dapat bekerja hanya dengan string, tetapi musik yang otentik dari sebuah film akan membutuhkan lebih banyak pemain)
• Skala suara yang ingin Anda buat
• Anggaran Mu

Berapa biaya orkestra?

Dengan menyewa orkestra, penting untuk diingat bahwa, selain membayar para pemain, ada sejumlah biaya yang akan ditambahkan oleh manajer orkestra ke dalam kutipan mereka.

Sebagai pedoman kasar, Anda harus mengharapkan yang berikut:

• £ 150 – £ 250 per jam, per orang (tergantung pada profil orkestra yang Anda pesan)
• £ 200 + per jam untuk kondektur
• Hingga £ 1000 dalam biaya administrasi untuk menutupi (misalnya, menyewa lembaran musik, instrumen yang lebih besar, tempat latihan, porterage, dll.)
• Biaya pengaturan musik jika Anda ingin karya yang khusus dirancang untuk orkestra
• Biaya transportasi
• Dalam beberapa kasus, persyaratan teknologi (mis., Mikrofon dan sistem PA)
• Jadi untuk orkestra ruang 15-potong kecil, Anda bisa mengharapkan penawaran dari £ 2500 – £ 4000, sedangkan orkestra simfoni 50-potong penuh mungkin lebih di wilayah £ 8000- £ 15.000.

Apa lagi yang bisa memengaruhi kutipan orkestra?

Semua faktor berikut akan mempengaruhi harga orkestra Anda:

• Waktu dalam setahun (musim puncak bisa lebih mahal)
• Jenis pertunjukan (misalnya konser yang bertentangan dengan musik latar belakang)
• Diperlukan repertoar
• Reputasi dan pengalaman bertahun-tahun
• Biaya perjalanan
• Geografi

Apakah waktu tahun akan mempengaruhi kutipan orkestra?

Seperti dalam industri lain yang bekerja dengan acara, musisi cenderung memvariasikan harga mereka tergantung pada waktu tahun dan permintaan yang dihasilkan untuk hiburan.

Dilansir dari depoxito, waktu yang biasanya sibuk untuk orkestra meliputi musim panas (puncak pernikahan dan musim festival), periode liburan akhir November dan Desember, Malam Tahun Baru, dan Hari Valentine.

Jenis acara apa yang cocok untuk orkestra?

Orkestra adalah tambahan yang sangat baik untuk berbagai jenis acara. Beberapa permintaan khusus untuk pertunjukan orkestra meliputi:

• Musik latar: klasik ringan dan sering menampilkan lagu, sebagai iringan canggih untuk makan malam atau resepsi minuman
• Pertunjukan utama atau c oncert: pertunjukan yang dipentaskan, di mana penonton atau tamu biasanya duduk dan orkestra adalah fokus
• Musik untuk bola atau tarian: orkestra menyediakan musik untuk para tamu untuk menari, mulai dari waltz tradisional hingga penutup pop

Seperti yang dapat Anda bayangkan, sebuah konser akan membutuhkan banyak fokus dan ketelitian dari orkestra, dan sebuah pertunjukan ballroom akan melibatkan lebih banyak interaksi penonton. Ini akan sering berarti bahwa orkestra yang menyediakan konser atau musik ballroom hampir selalu lebih mahal daripada orkestra yang menyediakan musik latar.

Lihat Juga : 10 Orkestra terhebat di dunia

Orkestra menghasilkan produk yang unik dan seringkali merupakan monopoli – biasanya resep untuk kesuksesan finansial. Tetapi tidak ada orkestra simfoni di dunia yang hanya akan layak secara finansial.

Ini adalah kebenaran yang mengejutkan ditemukan oleh Robert Flanagan, profesor ekonomi di Stanford University dan penulis The Perilous Life of Symphony Orchestra.

“Mereka semua menjalankan operasi defisit, di mana uang yang mereka hasilkan konser, catatan dan karena itu tidak menutupi biaya mereka,” katanya kepada uang itu.

Ada beberapa alasan untuk ini, tetapi yang utama di antara mereka adalah bahwa biaya menjalankan orkestra yang sangat besar dan hampir tidak mungkin hilang.

A. Orkestra sangat mahal untuk dimainkan

Setiap band antara 45 dan 100 musisi, dan setidaknya di Australia umumnya gaji karyawan pensiun, cuti sakit dan hak dan kewajiban lainnya.

Dan biaya tenaga kerja sebenarnya dapat dikurangi atau lebih efisien, seperti yang ditunjukkan oleh Profesor Flanagan pada. “Produktivitas, kebutuhan tenaga kerja, kurang lebih dibekukan untuk selamanya oleh komposer klasik,” katanya.

Lalu ada biaya tetap untuk menyewa ruang, staf manajemen, pengemudi, dan solois. Orcestras tidak dapat menyebarkan biaya ini pada banyak pertunjukan, juga.

“Berbeda dengan musik yang memiliki banyak biaya instalasi dan dapat berjalan selama satu setengah tahun untuk menutupi biaya awal, orkestra dapat menghabiskan dua atau tiga hari dalam pelatihan, kemudian melakukan dua atau tiga pertunjukan – itu saja” kata David Throsby, seorang profesor ekonomi terkemuka di Universitas Macquarie. Kemudian ada layanan tambahan yang ditawarkan orkestra modern: program pendidikan dan sekolah membutuhkan pertunjukan organisasi perjalanan. Diwajibkan dan lulus sesuatu sebagai kampanye militer – instrumen harus diangkut dengan hati-hati, musisi harus ditempatkan dan makan – tetapi tiket yang lebih kecil dan lebih rendah.

B. Sedikit orang yang mau pergi ke simfoni

Orkestra untuk mengatasi tidak hanya sisi penawaran: permintaan juga menurun.

“Bentuk kehadiran total menurun dan terus menurun sesuai dengan angka terbaru yang dikumpulkan untuk orkestra Amerika Serikat,” kata Profesor Flanagan.

“Ada banyak spekulasi tentang mengapa ini terjadi tidak terbatas pada orkestra -. Hal yang sama berlaku untuk seni lain … dan menggambar adalah sama dengan beberapa kegiatan rekreasi tradisional lainnya seperti memancing, berburu, bowling.

“Ada perubahan dalam penggunaan waktu luang publik dari kegiatan yang digunakan, kami percaya bahwa penggunaan waktu luang tradisional pada hal-hal lain, yang terus terang tidak didokumentasikan dengan baik.”

Yang pasti adalah bahwa penonton sudah menua – pada tahun 2010, 13,6 persen orang Australia berusia 65-74 tahun menghadiri konser musik klasik, dibandingkan dengan hanya 6,1 persen orang berusia 25 hingga 34 tahun.

“Masih ada audiensi inti, tetapi jika Anda pergi ke kamar sebuah orkestra simfoni, Anda dapat melihat rambut sedikit perak,” kata Mary Vallentine, mantan CEO Orkestra Simfoni Sydney.

“Saya pikir tantangannya adalah mempertimbangkan pemrograman dan membuatnya benar-benar menarik bagi audiens masa depan Anda.”

C. Bunga menarik tanpa kehilangan kredibilitas

Hari ini, dunia orkestra tetap bertahan melalui bantuan pemerintah. Di Amerika yang datang secara tidak langsung, melalui keringanan pajak untuk individu dan organisasi yang menyumbangkan orkestra. Di Eropa, sebagian besar didanai sepenuhnya oleh federal, lokal, dan nasional.

orkestra Australia berada di suatu tempat di tengah, berdasarkan pada campuran sponsor, filantropis dan bantuan negara bagian dan federal.

Campuran ini tergantung pada orkestra dan kota tuan rumahnya: Sydney Symphony Orchestra menerima sekitar 40 persen dana dari pemerintah. Untuk Tasmanian Symphony Orchestra, angkanya mendekati 75 persen.

Tetapi pendanaan pemerintah tidak berarti bahwa orkestra tidak mencoba untuk menghasilkan lebih banyak uang dan menjangkau khalayak baru.

Bulan ini Melbourne Symphony Orchestra menawarkan serangkaian konser dengan musik film Pixar, sementara SSO mempromosikan La La Land bersama-sama.

“Penonton untuk repertoar klasik publik selesai, subsidi yang ada yang telah mencapai penyusutan dan hak istimewa perdagangan harus dipertimbangkan,” kata presenter ABC Classic FM Phillip Sametz.

“Pertanyaannya kemudian menjadi: berapa minggu dalam setahun dapat dikaitkan dengan hal-hal yang begitu penting yang perlu kita lakukan untuk mempertahankan standar dan status kita, sebagai lawan dari hal-hal yang benar-benar perlu kita lakukan untuk menjangkau khalayak yang lebih luas, tetapi juga melakukan uang serius? “

Kebanyakan orkestra berusaha menarik solois dan konduktor terkenal untuk menjual lebih banyak tiket, tetapi juga untuk meningkatkan citra mereka dan menjadikannya “pas” bagi para musisi.

“Anda dapat membuat karya komersial tingkat tinggi,” kata Vallentine.

“Ada seniman hebat yang menarik banyak penonton. Contohnya, Sydney Symphony adalah Anne-Sophie Mutter, mereka punya Lang Lang, mereka punya sejumlah seniman.

“Anda dapat menarik artis hebat yang juga akan sukses di box office.”

Itulah informasi yang bisa kami berikan kepada anda

Memilih hanya sepuluh orkestra terbaik dunia jauh lebih mudah diucapkan daripada dilakukan. Dalam hal kualitas suara, kemampuan teknis dan musikalitas semata, orkestra berikut tidak tertandingi dalam kecemerlangannya. Yang mengatakan, apa yang membedakan orkestra ini dari satu sama lain adalah etos dan pendekatan mereka terhadap repertoar, arah musik mereka dan nilai-nilai kinerja inti mereka. Dengan risiko menggunakan setiap superlatif dalam kamus di sini adalah panduan kami untuk sepuluh orkestra terhebat di dunia.

Vienna Philharmonic yang bergengsi adalah nama yang identik dengan kemegahan, arak-arakan, dan kemegahan tradisi orkestra. Mereka mungkin terkenal karena Konser Tahun Baru mereka, disiarkan secara global pada tanggal 1 Januari setiap tahun, menampilkan karya-karya klasik Johann Strauss yang sempurna dan meriah.

Philharmonic Berlin

Salah satu hebat dari sekolah tua, Berlin Phil yang hebat memberikan penampilan pertamanya pada tahun 1882. Sejarah orkestra selalu dikaitkan dengan kepala konduktor yang termasuk Wilhelm Furtwängler, Herbert Von Karajan, Claudio Abbado dan Sir Simon Rattle. Orkestra perkasa ini adalah lambang penyempurnaan dan kebesaran. Gaya kinerja mereka ditentukan oleh energi yang luar biasa, semangat dan bakat, didukung oleh ketangkasan teknis yang luar biasa. Senang sekali mendengarkan, Phil Berlin adalah kekuatan yang harus diperhitungkan dan salah satu orkestra terhebat di dunia.

Orkestra Simfoni London

LSO secara luas diakui sebagai orkestra soundtrack terkemuka di dunia. Orkestra ini dikenal karena rekaman skor filmnya yang menakjubkan, terutama untuk franchise Star Wars, yang dicetak oleh komposer legendaris John Williams, dan, yang terbaru, untuk The Shape Of Water pada tahun 2017. LSO juga ditampilkan dalam upacara pembukaan Olimpiade London 2012 bersama Rowan Atkinson, dengan perkiraan audiens global sebesar 900 juta.

The LA Philharmonic

Seratus tahun yang lalu Los Angeles Philharmonic didirikan sebagai orkestra simfoni permanen pertama LA. Satu abad kemudian, LA Phil diakui sebagai salah satu orkestra terkemuka di dunia, memimpin dalam pemrograman yang inovatif. Dengan arahan kreatif saat ini dari Gustav Dudamel, LA Phil terutama terkenal dengan repertoar mereka yang luas, dari interpretasi mereka yang memikat tentang Schumann, Bernstein, dan Prokofiev, hingga mempelajari musik pop. Mungkin salah satu orkestra yang berpikiran maju, LA Phil sering mencoba-coba genre musik lainnya. Konser 2018 mereka LA Phil 100 At The Hollywood Bowl menampilkan Dudamel, Katy Perry, dan Herbie Hancock – hanya LA Phil yang bisa menyatukan beragam megastar dalam satu acara tunggal dan masih menghasilkan musik kelas dunia yang spektakuler.

Orkestra Zaman Pencerahan

OAE, yang berbasis di London, adalah pelopor dan menghirup udara segar di kancah orkestra global. Tanpa konduktor utama, orkestra bertindak demokratis dengan memilih pemain utama dan berkolaborasi dengan konduktor tamu. Keaslian adalah inti dari semua yang dilakukan OAE, dengan penekanan pada instrumen periode tertentu dan berspesialisasi dalam repertoar barok dan klasik. Terlepas dari kepatuhan terhadap kinerja yang diinformasikan secara historis ini, seri konser OAE The Night Shift terus menyangkal aturan dan peraturan tradisi, tetapi, ketika mereka berdebat, “Mengapa Anda tidak menikmati Beethoven di tempat dengan bar yang layak?”

Royal Concertgebouw

Royal Concertgebouw Amsterdam didirikan pada tahun 1888 dan sering menjadi favorit para kritikus. Suara mereka yang tidak rewel dan halus langsung dikenali, terutama dalam rekaman terkenal mereka Strauss, Mahler dan Bruckner. Konduktor sebelumnya dari mesin musik yang diminyaki dengan baik ini termasuk Bernard Haitink dan Mariss Jansons. Jangan biarkan kepatuhan mereka pada formalitas membodohi Anda: etos “tradisi dan pembaruan” mereka membuat RCO berada di ujung tombak kecerdikan orkestra. Memang, sebagai bagian dari inisiatif Horizon mereka, orkestra secara teratur perdana karya baru yang ditugaskan dari abad ke-21.

Orkestra Simfoni Chicago

Chicago Symphony Orchestra adalah salah satu orkestra terbesar di dunia dan memiliki hasil yang luar biasa, menampilkan lebih dari 100 konser epik setiap tahun. Mereka membanggakan 62 Grammy Awards untuk rekaman mereka, termasuk beberapa penghargaan untuk Kinerja Orkestra Terbaik dan Album Klasik Terbaik. Pianis dan konduktor Daniel Barenboim memegang posisi direktur musik dari 1991 hingga 2006, hanya untuk kembali agak kontroversial tahun lalu.

The Aurora Orchestra

Mungkin nama yang relatif tidak dikenal di dunia orkestra global. Masih dalam masa pertumbuhan, Aurora Orchestra didirikan oleh sekelompok siswa di London pada tahun 2005. USP mereka adalah ketidaksetujuan mereka terhadap lembaran musik: mereka secara teratur melakukan seluruh simfoni dari ingatan. Kualitas semata-mata dari penampilan luar biasa mereka menjadikan orkestra ini semakin luar biasa dan layak untuk diakui.

The New York Philharmonic

New York Phil mengklaim sebagai orkestra berjalan terpanjang di Amerika Serikat, yang didirikan pada tahun 1842. Asosiasi yang paling terkenal adalah dengan Leonard Bernstein, sebuah kemitraan yang berlangsung selama 47 tahun dan 1.244 pertunjukan. Sejak kematiannya, pada tahun 1990, orkestra secara tradisional melakukan pertunjukan pembukaan tanpa konduktor Bernstein’s Candide dalam penghormatan yang menyentuh.

Bagikan Di Flipboard

Memilih hanya sepuluh orkestra terbaik dunia jauh lebih mudah diucapkan daripada dilakukan. Dalam hal kualitas suara, kemampuan teknis dan musikalitas semata, orkestra berikut tidak tertandingi dalam kecemerlangannya. Yang mengatakan, apa yang membedakan orkestra ini dari satu sama lain adalah etos dan pendekatan mereka terhadap repertoar, arah musik mereka dan nilai-nilai kinerja inti mereka. Dengan risiko menggunakan setiap superlatif dalam kamus di sini adalah panduan kami untuk sepuluh orkestra terhebat di dunia.

Dengarkan 100 lagu legendaris oleh LA Phil di Apple Music dan Spotify dan gulir ke bawah untuk membaca pilihan orkestra terbaik kami di dunia.